L'art est un élément fondamental du design d'intérieur, insufflant couleur et personnalité à chaque pièce. Il ne s'agit pas seulement d'une manière incroyable d'exprimer votre créativité, mais aussi d'un complément qui sublime votre décoration intérieure. Cependant, pour attirer l'attention qu'il mérite et faire ressortir toutes ses caractéristiques, l'art doit être mis en valeur par un éclairage approprié. Les luminaires dédiés à l'art se déclinent en une vaste gamme de designs et de types. Choisir le bon type d'ampoule pour éclairer vos œuvres peut sembler accablant si vous ne savez pas quoi rechercher. Plus de 60 % des artistes interrogés en 2026 citent l’éclairage comme la première cause de couleurs « ratées » entre l’atelier et l’exposition. Ce décalage, qui transforme un rouge vibrant en une teinte terne une fois en galerie, ne vient pas de votre technique, mais de la qualité de votre source lumineuse. Choisir la meilleure ampoule pour son atelier d'artiste n'est plus une option, c'est une nécessité technique pour garantir la fidélité de vos œuvres. La question « quelle est la meilleure ampoule pour un atelier d’artiste » se résume d’abord à une chose : la fidélité des couleurs. Pour un peintre, un illustrateur ou un photographe, la lumière n’est pas qu’un confort, c’est un outil de mesure.
Les Critères Essentiels pour un Éclairage Artistique Optimal
Afin de garantir que vos œuvres soient perçues avec la plus grande fidélité, plusieurs facteurs clés doivent être pris en compte lors du choix de l'éclairage. Ces éléments, allant de la luminosité à la température de couleur en passant par le rendu des couleurs, sont déterminants pour mettre en valeur votre création artistique et préserver son intégrité.
Luminosité : Faire Ressortir l'Œuvre
Votre ampoule doit avoir un flux lumineux au moins trois fois plus intense que l'éclairage ambiant pour que votre œuvre d'art puisse pleinement se distinguer. Pour une zone de travail de précision (détail sur toile, retouche photo), beaucoup d’artistes visent entre 500 et 1 000 lumens par m². Le meilleur nombre de lumens dépend surtout de la taille du studio et du type de travail réalisé. Un studio de 15 m² dédié à la peinture peut donc nécessiter entre 7 500 et 15 000 lumens répartis sur plusieurs points lumineux.
Température de Couleur : L'Ambiance et la Perception des Couleurs
La température de couleur de la plupart des types d'ampoules varie d'un blanc chaud (2700K) à un blanc neutre comme les ampoules de lumière du jour (4000K), en passant par un blanc froid (6500K). La température de couleur aide à créer l'ambiance juste pour votre œuvre et influence la manière dont les gens la perçoivent. Une lumière chaude est confortable et relaxante, faisant ressortir les couleurs chaudes d'une œuvre, tandis qu'une lumière froide est vivifiante et met en évidence les couleurs froides de vos peintures. Vous pouvez expérimenter avec différentes températures de couleur pour l'apparence de votre lumière. Sur un plateau de prise de vue de galerie, un simple passage d’une lumière chaude à une lumière froide peut modifier complètement la perception d’un bleu outremer. Une lumière à 2 700 K « réchauffe » visuellement les tons, idéale pour un salon, mais trompeuse pour évaluer un gris neutre sur un tirage. Dans un petit studio de céramiste, par exemple, un mix de sources à 4 000 K avec CRI élevé permet de juger précisément les émaux avant cuisson tout en gardant une ambiance agréable. Pour peindre en pensant « lumière galerie », un blanc neutre autour de 4 000 K fonctionne bien. Pour un coin photo dédié à des packshots ou des œuvres destinées au web, 5 000 à 5 500 K se rapprochent de la lumière du jour standard en photographie.
Angle du Faisceau : La Précision de l'Éclairage
L'angle du faisceau détermine la propagation de la lumière générée par votre source lumineuse. Une œuvre d'art plus grande nécessiterait généralement un angle de faisceau plus large qu'une œuvre plus petite, afin de diffuser la lumière sur une plus grande surface. Les luminaires avec un angle de faisceau allant jusqu'à 45 degrés sont considérés comme des spots, car ils génèrent un faisceau de lumière étroit et concentré. Il est important de choisir un luminaire avec le bon angle de faisceau afin de concentrer le faisceau dans le cadre de votre œuvre sans que la lumière ne se répande sur les murs.
Indice de Rendu des Couleurs (IRC/CRI) : La Fidélité Chromatique
L'Indice de Rendu des Couleurs (IRC) fait référence au niveau de précision avec lequel une source lumineuse représente les vraies couleurs d'une œuvre d'art, par rapport à la lumière naturelle. Il est mesuré sur une échelle de 0 à 100, la lumière du jour ayant un IRC parfait de 100. Un CRI supérieur à 90 est généralement recherché en atelier, car il rapproche la perception des couleurs de celle de la lumière du jour. Ce décalage vient rarement de la peinture, du capteur ou du papier, mais presque toujours de la qualité de la lumière : température de couleur, indice de rendu des couleurs (CRI), flux lumineux mal adaptés.
Efficacité Énergétique : Un Choix Économique et Durable
Étant donné que votre luminaire artistique sera allumé la majeure partie du jour et de la nuit, l'efficacité énergétique de votre type d'ampoule est une caractéristique que vous ne pouvez ignorer. Une ampoule économe en énergie avec un rendement lumineux élevé et une faible consommation d'énergie entraînera des coûts moindres sur vos factures d'électricité.
Protection Contre les UV et la Chaleur : Préserver l'Intégrité des Œuvres
La lumière UV et la chaleur peuvent endommager les œuvres d'art au fil du temps, en particulier celles fabriquées avec des tissus et des médiums colorés. Une exposition continue à la lumière UV entraînera la décoloration des couleurs et l'altération de votre œuvre. La chaleur peut également provoquer la fissuration de la peinture sur votre œuvre. Par conséquent, choisissez une ampoule qui émet un minimum ou pas de chaleur ou de lumière UV pour préserver votre œuvre. Un point souvent oublié dans le choix d'une ampoule est la gestion thermique. On voit trop d'artistes utiliser des ampoules halogènes puissantes qui, en plus de consommer énormément, dégagent une chaleur intense. Cette chaleur peut assécher prématurément vos peintures à l'huile ou, pire, faire gondoler certains papiers d'art épais lors de séances de travail prolongées.
Les Types d'Ampoules pour l'Éclairage Artistique
Ayant compris les principales caractéristiques à prendre en compte lors de l'éclairage d'une œuvre d'art, vous pouvez passer à la sélection du meilleur type d'ampoule pour vos applications d'éclairage artistique. Les ampoules existent dans une variété de modèles, de technologies et de designs.
L'Ampoule LED : La Référence Moderne
L'ampoule LED est devenue la source de lumière la plus privilégiée pour l'éclairage artistique et les applications d'éclairage de tâche depuis son invention en 2008. L'éclairage LED peut durer jusqu'à 20 ans avec une durée de vie nominale allant jusqu'à 100 000 heures. Les LED modernes offrent une excellente efficacité énergétique et un large choix de températures de couleur. Dans un petit studio photo, une Ampoule LED A60 12W E27 6500K Non Dimmable peut remplacer une ancienne ampoule de 75 W tout en offrant un flux important et stable. Leur CRI dépasse souvent 90 sur les gammes professionnelles. Le passage aux technologies LED ou fluocompactes basse consommation n'est donc pas seulement un geste écologique ou économique ; c'est une protection physique pour votre matériel. En maintenant une température ambiante stable autour de votre chevalet, vous assurez une longévité accrue à vos supports et une meilleure stabilité de vos mélanges de couleurs, qui ne sont plus influencés par une évaporation accélérée du liant. Pour les ateliers plus vastes, le remplacement des vieux tubes fluorescents est une demande récurrente. On recommande de passer sur des solutions comme notre ampoule fluocompacte 26W 4000K : c'est le standard pour obtenir une lumière neutre, sans cette teinte bleutée artificielle qui fausse le mélange des couleurs.
L'Ampoule Incandescente (Edison) : Un Classique Abordable mais Limité
Alors que les ampoules incandescentes, également connues sous le nom d'ampoules Edison, sont très abordables et offrent généralement une valeur CRI élevée de plus de 95 dans une variété de températures de couleur, elles sont moins écoénergétiques que l'ampoule LED et génèrent de la chaleur qui peut endommager les œuvres d'art. À l'inverse, pour créer une ambiance de réflexion plus chaleureuse en fin de journée, rien ne bat le rendu d'une ampoule E27 Edison 60W Vintage.
L'Ampoule Halogène : Puissance et Rendu Naturel
L'ampoule halogène est une autre option courante dans les applications d'éclairage artistique. Elles émettent une lumière vive et froide, mais génèrent également des niveaux élevés de chaleur. Les halogènes, elles, restent très appréciées pour leur continuité spectrale et leur rendu naturel des couleurs. Une ampoule halogène de 150 W produit un flux puissant, instantané, sans temps de chauffe, idéal pour un coin sculpture ou un plan de travail de restauration d’œuvres. Elles consomment plus que les LED, mais leur lumière reste une référence pour juger les teintes. Pour choisir une ampoule halogène, commencez par vérifier le culot (souvent E27 en atelier) et la puissance supportée par votre luminaire. Ensuite, évaluez le flux lumineux nécessaire : une halogène de 150 W convient bien à un plan de travail exigeant ou un coin sculpture. Les halogènes offrent un CRI très élevé, intéressant pour contrôler les couleurs.
Les Ampoules Fluorescentes et CFL : Efficacité Énergétique, mais des Compromis
Les ampoules fluorescentes et les ampoules CFL sont plus écoénergétiques que l'ampoule incandescente, mais elles sont associées à un niveau élevé d'émission d'UV et à un faible CRI qui pourraient ne pas convenir à vos besoins d'éclairage artistique.
Lampes à Décharge (HID) : Pour les Grands Volumes
Enfin, les lampes HID (halogénures métalliques) comme la Lampe MHL‑T 400W E40 - halogénures métalliques HID pro (studio & architecture) s’adressent surtout aux grands volumes : atelier industriel, plateau de tournage, hall d’exposition. Elles délivrent un flux très élevé, avec des températures de couleur stables, mais exigent des luminaires spécifiques et un temps de chauffe.
Aménager l'Éclairage de l'Atelier d'Artiste
Une bonne ampoule ne suffit pas : c’est l’ensemble de la configuration qui fera la qualité de votre lumière en atelier. Commencez par une lumière générale homogène. Dans un atelier de 20 m², un plafond équipé de plusieurs points E27 ou de rails permet de répartir 8 000 à 10 000 lumens sur l’ensemble de la pièce. Ajoutez ensuite des lumières ponctuelles dédiées à chaque poste. Au chevalet, un ou deux spots orientables à environ 45° limitent les reflets sur les vernis frais. Sur une table de dessin, une lampe articulée avec une source à CRI élevé évite la fatigue visuelle. Dans un atelier de bijoutier, par exemple, la combinaison d’un éclairage général LED et d’une source halogène puissante comme l’Ampoule Halogène 150W E27 JDD Verre clair au-dessus du plan de travail donne un contrôle précis des reflets métalliques.
Compatibilité des Douilles et Variateurs
Au dépôt, on constate souvent que les artistes négligent la compatibilité des douilles avec les nouvelles technologies. Si vous travaillez sur des luminaires anciens, ne vous précipitez pas sur la première LED venue. Par exemple, pour un éclairage d'appoint sur un bureau de dessin, notre ampoule LED G4 1.5W offre une précision redoutable sans chauffer votre support, contrairement aux halogènes qui peuvent altérer certains pigments sensibles à la chaleur. Dernier point souvent négligé : la compatibilité avec les luminaires et variateurs. Un régisseur qui installe des rails de spots au-dessus d’un mur d’exposition vérifiera toujours le culot (souvent E27 ou GU10), la taille de l’ampoule et la possibilité de variation.
Les Luminaires et Accessoires pour l'Art
Ayant choisi votre type d'ampoule artistique préféré, vous pouvez sélectionner un luminaire artistique compatible pour l'accueillir. Perfect Picture Lights propose des éclairages sur rail dans les systèmes de rails J, H et L. Les têtes de rail et les mono points sont disponibles en options de spot, de wall washer et de projecteur de cadrage selon vos besoins. Un autre luminaire couramment utilisé dans la conception intérieure est l'éclairage encastré. Vous pouvez également investir dans des accessoires pour personnaliser votre éclairage artistique et vos appliques murales, tels que des lentilles plates, des filtres UV, un projecteur de focalisation et des accessoires de contrôle de l'éblouissement.
Le Mode Bulb en Photographie : Quand la Lumière Devient Outil de Création
Le mode Bulb était à l’origine une option des appareils photo anciens qui faisait référence à la possibilité de contrôler de longues durées d’exposition sous la supervision du photographe. Cette valve ou petite poire, dont la forme rappelle celle d’une ampoule (bulb en anglais) donne son nom au mode de déclenchement intégré par la suite à nos appareils photo numériques. Sur les appareils d’origine allemande, apparaît également la lettre B pour indiquer le mode de déclenchement pour de longs temps de pose. Le mode Bulb des appareils photo vous donne l’occasion de renforcer l’attrait de vos clichés, de contrôler la durée d’exposition et de tirer le parti maximum de votre appareil numérique DSLR ou CSC. Le fonctionnement technique ou mécanique du mode Bulb est simple. Tous les passionnés de photographie peuvent contrôler et profiter de ce mode de déclenchement assez rapidement. Le mode Bulb est une fonction uniquement disponible en mode d’exposition manuel. Il permet de laisser l’obturateur ouvert et donc le capteur exposé à la lumière aussi longtemps que vous conservez le déclencheur enfoncé.
Comment utiliser le mode bulb pour les expositions longues (guide complet)
Comprendre la Vitesse d'Obturation et l'Ouverture du Diaphragme
La vitesse d’obturation est l’un des trois paramètres du triangle d’exposition. Elle permet de réguler la quantité de lumière entrant sur le capteur en le laissant exposé à la luminosité extérieure plus ou moins longtemps. Le problème est que sur la plupart des appareils photo, cette vitesse d’obturation ne peut pas descendre en dessous de 30 secondes. Pourtant, dans certaines situations, utiliser une très longue exposition s’avère être indispensable. Cela est, par exemple le cas pour photographier certains sujets de nuit ou supprimer la foule d’une photo. C’est ici que le mode Bulb intervient en laissant à l’utilisateur la possibilité d’utiliser des vitesses inférieures à 30 secondes. Il est ainsi possible de choisir une vitesse d’une minute, de cinq minutes, d’une heure, de trois heures, etc. Pour saisir toutes les possibilités de vos photos avec ce mode, il faut que le concept de vitesse d’obturation soit bien clair pour vous. Votre appareil photo numérique peut changer la vitesse de déclenchement, qui fait référence au temps qu’est ouvert l’obturateur de l’appareil face au sujet à photographier. Quoiqu’il en soit, l’ouverture de diaphragme la plus optimale à utiliser sur de longs temps d’exposition, est généralement comprise entre f/4 et f/5.6, tout dépend de la distance de mise au point et de l’intention du/de la photographe.
Activation du Mode Bulb
Les appareils photo actuels ont intégré l’option B (Bulb) parmi les différents modes de déclenchement. Aujourd’hui, quasiment tous les appareils photo numériques Canon, Nikon, Sony, Fujifilm, Pentax, Olympus, etc., disposent d’un mode Bulb. L’activation de cette fonction diffère en revanche selon la marque et le modèle de votre appareil. Sur certains modèles, il figure parmi les différents modes de déclenchement, avec le mode automatique (A) ou manuel (M). Il peut également être mis en route à travers le mode prioritaire d’obturation (Tv ou S) et atteindre le temps d’exposition supérieur aux 30 secondes indiquées. Il est facile de vérifier lorsque l’appareil photo est en mode Bulb car la plupart des appareils l’indiquent clairement sur leur écran LCD. Sur les modèles les plus complets, le mode Bulb est directement accessible par la molette de commande. Il y est en général abrégé par la lettre “B”. Si cette lettre “B” n’est pas inscrite sur la molette de votre appareil photo, ce n’est pas pour autant qu’il est dépourvu du mode Bulb. Pour l’activer, sélectionnez le mode manuel et déplacez la vitesse d’obturation jusqu’à sa valeur maximale autorisée. En général, après la valeur maximale de 30 secondes, vous verrez la lettre “B” ou directement le mot “Bulb” s’afficher à la place de la vitesse d’obturation.
Défis et Solutions en Mode Bulb
Une fois que le mode Bulb est sélectionné sur votre appareil photo, l’obturateur restera ouvert tant que vous maintiendrez le déclencheur enfoncé. Par conséquent, si vous appuyez rapidement sur le déclencheur, vous obtiendrez une pose de seulement quelques centièmes de seconde, tandis que si vous restez appuyé durant 10 minutes, vous aurez une exposition de 10 minutes. Il est ainsi possible d’exposer aussi longtemps que vous le souhaitez ou du moins jusqu’à épuisement de la batterie (Attention ! Sur certains appareils, le mode Bulb est limité à un maximum de 30 minutes). En revanche, étant donné que sur la majorité des appareils, le mode Bulb nécessite de rester appuyer sur le déclencheur durant plusieurs minutes, cela implique deux problèmes majeurs : des crampes aux doigts et des photos floues. Pour ce dernier point, même si votre appareil photo est installé sur le meilleur des trépieds, les micro-vibrations répétées de votre main (qui s’intensifient proportionnellement à la douleur dans vos doigts) finissent inévitablement par impacter la netteté de l’image au bout de quelques minutes. Il est donc nécessaire d’utiliser quelques alternatives pour conserver l’obturateur ouvert durant plusieurs minutes sans pour autant devoir maintenir manuellement le déclencheur de l’appareil. Pour ce faire, la solution la plus simple est alors d’utiliser un déclencheur à distance ou un câble déclencheur.
Gestion du Bruit Numérique
Réaliser des poses longues de plusieurs minutes ou même de plusieurs dizaines de minutes permet très souvent d’obtenir de superbes images. Cependant, l’exposition prolongée du capteur a tendance à le faire chauffer, ce qui peut faire apparaître du bruit numérique sur les photos. Ce bruit se caractérise par de micro-points rouge et jaune sur l’image. Il est possible de les supprimer en post-production lorsqu’ils sont relativement peu nombreux, mais cela prend inutilement du temps. Le bruit numérique apparaît plus ou moins rapidement suivant le capteur photo et la température extérieure. La solution la plus simple pour éviter l’apparition du bruit en mode Bulb, est donc d’activer la fonction “réduction de bruit longue exposition” de votre appareil photo. Lorsque celle-ci est activée, l’appareil capture une seconde image de durée identique, mais avec l’obturateur de fermé afin d’analyser les pixels chauffés pour les supprimer de la première image. Cela implique donc que le processus de capture prendra deux fois plus de temps. Il est ainsi préférable de réserver ce conseil aux poses inférieures à 5 minutes. Si vous avez besoin de vitesses d’obturation extrêmes de plusieurs dizaines de minutes, la solution la plus simple pour limiter le bruit numérique est de réaliser plusieurs photos que vous assemblez ensuite en une seule image à l’aide d’un logiciel comme Photoshop.
Applications du Mode Bulb
En fin de compte, ce que l’on cherche lorsqu’on utilise ce mode, c’est à obtenir de belles images, plus séduisantes et plus spectaculaires. Dans le recours à la lumière pour faire ressortir nos photos, en utilisant de longues durées d’exposition, on trouve des effets comme peindre avec la lumière ou le lightpainting, des rayons ou des sillages laissés par les sujets en mouvement ; des feux d’artifice, des éclairs de foudre, etc. On peut aussi obtenir de beaux résultats avec le mouvement des nuages, de l’eau, avec les étoiles ou encore la lune.
Lightpainting : Peindre avec la Lumière
On l’a déjà évoqué comme le fait de « peindre avec la lumière » mais cette technique est plus connue sous le nom de lightpainting en anglais. Tout dépend de vos goûts et du type de photos que vous souhaitez prendre. Il s’agit d’une tendance assez répandue dans divers environnements numériques. Des mouvements aléatoires avec une lumière LED aux dessins complets avec des torches spéciales de différentes couleurs. Il existe de nombreuses manières de produire de la lumière par le mouvement. Même si la pratique de produire des lumières associée à l’utilisation du mode Bulb s’est popularisée ces derniers temps, il y a des antécédents historiques très intéressants où ce mode de déclenchement avait déjà été expérimenté, à l’initiative d’artistes internationaux du calibre de Pablo Picasso, par exemple. Le magazine Time publia ainsi une série de clichés en 1968 où l’on peut voir le peintre cubiste en train de dessiner avec une lumière dans l’air. Le photographe Gjon Mili eut recours à de longs temps d’exposition pour saisir les figures créées à partir d’un point lumineux.
Capturer la Nature et l'Urbain
Les feux d’artifice ou les éclairs d’un orage s’avèrent des options intéressantes pour pratiquer le mode Bulb. Avec un bon trépied et beaucoup de patience, on peut réussir des photos uniques et très séduisantes. Une autre possibilité de s’adonner au mode Bulb réside dans les nuages, les étoiles ou encore l’eau. Les paysages facilitent la pratique du déclenchement en mode Bulb, beaucoup d’éléments de l’environnement restent tranquilles. L’utilisation du mode Bulb n’est pas uniquement réservée aux environnements obscurs et peut même être employée en plein jour. Il est cependant nécessaire d’utiliser un filtre ND fortement teinté pour atténuer la quantité de lumière captée. Ainsi, en plaçant un filtre ND, le temps d’exposition pourra allègrement dépasser plusieurs minutes, même en plein soleil. Cette très longue exposition peut par exemple s’avérer utile pour supprimer tous les touristes autour d’un monument.
Accessoires Indispensables pour le Mode Bulb
Pour réussir vos prises de vue en mode Bulb, quelques accessoires peuvent grandement vous faciliter la tâche.
- Support rigide ou trépied : Parmi les accessoires les plus essentiels, on peut avoir besoin d’un support rigide ou d’un trépied suffisamment robuste pour une stabilité constante de l’appareil photo pendant tout le temps d’utilisation.
- Déclencheur à distance : Un déclencheur à distance est un accessoire essentiel pour éviter d’avoir à appuyer sur le bouton de déclenchement pendant tout le temps de pose car c’est vraiment peu pratique, sans compter que cela fait généralement bouger l’appareil photo. Avec les déclencheurs, vous pouvez bloquer le déclenchement et le relâcher lorsque suffisamment de temps est passé. Il est par conséquent préférable de choisir une télécommande plus complexe permettant de sélectionner la durée de l’exposition ou de commencer l’exposition par une seule pression et de l’arrêter par une seconde.
- Filtres de densité neutre (ND) : Il existe des filtres de différentes densités (ND) qui réduisent la quantité de lumière qui rentre dans l’objectif et qui permettent d’augmenter la durée d’exposition. C’est utile pour un environnement à la lumière naturelle, pour les couchers de soleil, les levers de soleil, etc. Selon sa densité (ND2, 4, 8, 16, etc.), le filtre absorbe une quantité de lumière bien précise, ce qui oblige à prolonger le temps d’exposition et à atteindre des durées supérieures à 30″. Sur les paysages où l’on n’a pas besoin d’utiliser le mode Bulb en raison de l’heure de la journée, on peut installer ces filtres sur la lentille et atteindre le temps désiré.
- Poids ou contrepoids : Il est très important de maintenir l’appareil photo bien immobile à tout moment. Les poids ou contrepoids placés sous les trépieds (si tant est que votre trépied dispose d’un crochet sur l’axe central) sont d’une grande utilité lorsqu’il fait du vent. Il s’agit d’une manière simple d’obtenir un peu plus de stabilité, parfait pour les environnements très venteux.
- Grip ou poignée d’alimentation : Un grip ou une poignée d’alimentation est un accessoire très utile pour prendre des photos en mode Bulb. On dépense beaucoup d’énergie en réalisant ce type de clichés, alors il faut bien veiller à ne pas rester à court de batterie au moment décisif. Glisser quelques batteries supplémentaires dans votre sac de transport vous permettra de réaliser plus de déclenchements et d’expérimenter davantage avec vos clichés.
L'Ampoule comme Source d'Inspiration Artistique
Au-delà de son rôle fonctionnel, l'ampoule peut également devenir le sujet central, l'élément déclencheur d'une réflexion artistique profonde. Des artistes explorent sa symbolique, sa forme et son interaction avec la lumière pour créer des œuvres singulières et narratives.
Frelly et les Lampes-Coiffes
Enrico Focarelli Barone, alias Frelly, dessine des images qui naissent d’une sensation. Illustrateur spécialisé en dessin éditorial et illustration conceptuelle, Frelly a créé un langage visuel fait de palettes réduites, de grands aplats de couleur et de figures suspendues entre réalité et imagination. Dans la série réalisée pour What’s in a Lamp?, les lampes Foscarini deviennent des coiffes portées par des femmes du monde entier. Non pas des objets décoratifs, mais des présences qui modifient la silhouette et la perception de l’espace. Il dessine des images qui naissent d’une sensation. Il part d’un détail - une figure, une lumière - et laisse tout le reste émerger, en équilibre entre réalité et imagination. Souvent, il part sans histoire précise. Il a interprété les lampes Foscarini comme des chapeaux. Elle est née en observant les formes. Elles racontent des moments suspendus. En travaillant par soustraction. Il commence par dessiner et par mettre les éléments en relation. Du dessin. En simplifiant et en travaillant sur l’équilibre. Pour lui, la créativité, c’est partir d’une intuition et la laisser grandir en suivant ses émotions, en tirant son inspiration de ce qui nous entoure. Images silencieuses, intérieurs domestiques, une lumière qui déclenche des possibilités inattendues.
Marianna Tomaselli : La Lumière Narratrice
Illustratrice et directrice créative, Marianna Tomaselli crée des images qui semblent figer un moment de transition : des instants où quelque chose est sur le point de se produire ou vient tout juste d’avoir lieu. Son langage visuel - où l’esthétique s’accompagne toujours d’une dimension narrative - s’est construit à partir de son expérience en illustration, animation et réalisation. C’est précisément ce qui se produit dans sa série pour What’s in a Lamp?. Chaque illustration est conçue comme une scène autonome, mais aussi comme partie d’une séquence idéale, dans laquelle la lumière joue un rôle central : non pas comme élément décoratif, mais comme une présence qui définit et construit l’espace, activant des relations discrètes entre objets, lieux et gestes du quotidien. « Je m’intéresse à raconter des émotions et des moments de vie, mais sans les décrire explicitement. Je préfère suggérer, laisser de l’espace, créer des images qui donnent l’impression de faire partie d’une histoire plus vaste. Dans cette série, je voulais déplacer l’attention de la lampe en tant que simple objet vers la lumière comme élément actif. Une lumière qui ne décore pas, mais qui raconte une histoire. Les choix chromatiques soutiennent cette vision à travers une palette réduite, épurée et contemporaine, en dialogue direct avec le design des lampes Foscarini. Aux côtés des lampes, Tomaselli introduit une présence récurrente : un chat. Son travail naît souvent d’images qui semblent figer un moment suspendu, comme si quelque chose venait de se produire ou allait arriver. Elle pense que cela vient avant tout d’un trait personnel : elle a toujours été fascinée par les moments de transition, lorsque quelque chose est sur le point de changer ou vient de changer. Elle est une grande amatrice de thrillers, et cela a sans doute influencé sa façon de raconter des histoires par l’image. Dans les thrillers, la tension réside souvent dans l’instant qui précède la révélation plutôt que dans l’événement lui-même. Cette suspension est quelque chose qu’elle trouve visuellement très puissant.
Brian Rea : La Curiosité de l'Obscurité pour la Lumière
Illustrateur, animateur et storyteller, Brian Rea entre dans l’univers de What’s in a lamp? en transformant les lampes Foscarini en présences vivantes, intimes et silencieuses. Brian Rea construit depuis longtemps son travail autour de récits du quotidien, intimes et sensibles, racontés à travers un langage visuel essentiel mais profondément émotionnel. Son approche se déploie naturellement entre illustration, animation et narration, trouvant un équilibre subtil entre simplicité formelle et profondeur narrative. C’est précisément de cette expérience que naît sa contribution à What’s in a lamp?, le projet éditorial de Foscarini qui invite des artistes internationaux à réinterpréter les lampes de la marque à travers leur regard personnel. Brian Rea part d’une question aussi simple que puissante : et si les personnages qui habitent l’obscurité étaient curieux de la lumière ? À quoi ressembleraient-ils ? Comment réagiraient-ils lorsqu’une lampe s’allume soudainement ? De ces interrogations prend forme une série de courtes histoires animées, consacrées à six lampes Foscarini - Binic, Madre, Sunlight of Love, Spokes, Fleur et Eolie - peuplées de personnages timides, curieux et joueurs. Les lampes deviennent des compagnes et des interlocutrices : des présences qui observent, accueillent, écoutent et stimulent l’imagination. « Quand j’étais enfant, j’avais très peur du noir. Allumer une lumière était un immense soulagement : cela faisait disparaître les monstres et apaisait mon imagination. Je pense que ces peurs ont ensuite influencé la manière dont je raconte des histoires aujourd’hui. » Dans un monde qui souvent crie pour attirer l’attention, Brian Rea choisit la voie inverse : celle de la retenue - en parfaite harmonie avec le caractère des lampes Foscarini. Une lumière qui n’accable pas, mais accompagne.
Jim Stoten : Des Lampes comme Portails vers d'Autres Dimensions
Jim Stoten, artiste polyvalent qui vit et travaille entre Hastings (UK) et Venise, canalise son imagination sans limites dans des illustrations, des animations et de la musique. Son style audacieux et kaléidoscopique est immédiatement reconnaissable : un mélange parfait de jeu et de complexité, d’intuition et de réflexion. Profondément spontané, Stoten laisse les idées s’écouler librement, créant des œuvres qui nous invitent à plonger dans les mondes cachés, vastes et fascinants, qui peuplent son esprit. « J’essaie de ne pas trop réfléchir, » déclare l’artiste, « je veux que mon travail soit intuitif et ludique - comme une découverte continue et infinie. » Dans sa série pour le projet éditorial What’s in a Lamp? de Foscarini, Jim Stoten réinterprète six lampes emblématiques de la marque, les transformant en animations avec un zoom infini, véritables portails vers d’autres dimensions. Hoba, avec sa forme organique rappelant une météorite, donne le coup d’envoi à un voyage cosmique parmi les étoiles, où nous rencontrons un astronaute ; Chapeaux, avec ses diffuseurs interchangeables, ouvre une parade de chapeaux variés, chacun doté d’une personnalité unique, tout comme les diffuseurs de la lampe elle-même. Les plis doux de Nuée dessinent un paysage enneigé, parfait pour un skieur. « Je voulais que les animations capturent l’esthétique et les histoires derrière les designs, tout en conservant une atmosphère fluide et ludique, et en créant un univers pour chaque lampe qui soit à la fois cohérent et riche en surprises inattendues. »
Jean-Claude Jolet : L'Ampoule à Filament, Icône de la Modernité
Jean-Claude Jolet est sculpteur. Ce qu’il donne à voir dans Light bulb est issu, comme ses précédentes propositions vidéo, de ses expérimentations autour de l’ampoule à filament, son empreinte dans le sable, et le jeu d’eau et de lumière qu’il y inscrit. Le titre rend hommage aux œuvres de Jasper Johns, compagnon de route de Rauschenberg, avec qui il créa le mouvement néo-dada à la fin des années 50, préfigurant les multiples “ aventures de l’objet ” du pop art de la décennie suivante. “ Take an object. Do something to it. Do something else to it ” : cette phrase de Jasper Johns s’est appliquée durant près d’une vingtaine d’années, de 1958 à 1976, à l’ampoule électrique. Les Light Bulbs de Johns sont des répliques faites à la main d’un produit industriel fabriqué en masse. Jean-Claude Jolet nous en montre l’empreinte, dans une projection de grande dimension sur trois lés de papier installés dans l’angle de la pièce. Trois empreintes d’ampoules réalisées dans du sable noir magnétisé, posées tête en bas, comme suspendues sur un fond de matières sombres. De l’eau, qui sourd des profondeurs de l’image, et qui, de manière cyclique, va jouer et rejouer le même scénario à l’intérieur de l’empreinte : émergence, croissance, entropie, disparition. Ce triptyque, qui emprunte fortement à la peinture, notamment à l’image du retable, donne, par le rythme des images, et l’intensité quasi auratique de la lumière, une vision sublimante de l’ampoule, sorte d’apparition lumineuse sur fonds de ténèbres, trinité d’idoles modernes invitant à la contemplation, au recueillement, ou tout au moins à l’absorption hypnotique. Les ampoules de Jean-Claude Jolet, telles des épiphanies, durant un temps très court, se confondent avec de véritables ampoules, puis se délitent et disparaissent.