Le genre artistique de la nature morte, faisant fi du temps, s'accorde avec tous les mouvements artistiques : romantisme, impressionnisme, cubisme, et bien d'autres. C'est ainsi que les experts s'accordent sur le fait que les peintures de natures mortes remontent à la préhistoire, à travers des gravures d'objets de l'époque, tels que la hache ou la corne de bison. Cette présence ancestrale témoigne de la fascination humaine pour la représentation des objets inanimés. L'Antiquité aussi a connu sa période de nature morte peinture, notamment avec Piraïkos le Grec, un peintre du 3e siècle avant Jésus-Christ. Pline l'Ancien raconte que Piraïkos était connu pour peindre des « choses humbles », des « provisions de cuisine », qu'il vendait fort cher. Les œuvres de ce nature-mortiste d'avant l'heure représentaient des boutiques d'artisans, barbiers et cordonniers, et ses sujets ont été copiés et repris par de nombreux artistes, pour orner les villas des riches propriétaires. L'histoire de l'art fait naître ce genre en Grèce antique, même si l'archéologie a révélé que cela remonte à des temps plus anciens.
Au Moyen Âge, la religion chrétienne, en sonnant le glas du monde épicurien, a condamné la nature morte à une longue absence. Durant cette période, l'art pour l'art était freiné ; il fallait utiliser la peinture pour servir l'évangélisation. Une certaine symbolique des objets, comme les livres ou les bougies, était plus ou moins exigée pour exprimer le savoir ou la lumière. Tout a changé au XVIe siècle, marquant un renouveau pour le genre. Toujours est-il que, traversant les siècles tranquillement, les peintures de natures mortes sont parvenues à nos jours, et durant ces siècles, la technique de peinture a pu s'améliorer considérablement. Les peintres eux-mêmes ont cherché comment améliorer leurs tableaux, comment de simples esquisses peuvent devenir des œuvres d'art, reconnues comme telles.
L'Évolution de la Technique et de la Composition
Les artistes peintres pratiquent constamment pour améliorer leur technique. Pour une nature morte peinture, la disposition des objets relève de l'imaginaire du peintre. Le genre artistique suscite l'intérêt, parce que les techniques et le matériel deviennent plus fiables : qualité de la peinture, teintes, pinceaux, toile, etc. La composition des tableaux peut introduire des éléments tels que des marmites en cuivre ou du verre. Les artistes peintres se consacrent à un genre, tout en créant suivant leur style. Au fur et à mesure que le genre artistique s'étend, l'appellation évolue, devenant finalement « still-life » chez les Anglais pour désigner ce qui est immobile. Les peintres de natures mortes sont des natures-mortistes. Certains auteurs apprécient aussi de peindre des carafes, représentant avec talent la transparence du verre, ou les reflets de la porcelaine.
L'âge d'or de la nature morte - La collection Riechers chez Ader
Le genre pictural de la nature morte reflète magnifiquement les plaisirs de la table, il est fréquemment interprété en tant que message symbolique. Appelées également vie silencieuse, ces œuvres permettent de se délecter de motifs appétissants, souvent raffinés, insérés dans de superbes scènes de table en mettant en avant tout un domaine de l’histoire alimentaire et sociale. Petits déjeuners, collations, buffets couverts de victuailles : la représentation de la table est un thème classique de la nature morte. Cette dernière évoque ainsi certains aspects des arts de la table et de son histoire du XVIe au XXIe siècle.
Chefs-d'Œuvre et Symbolismes Historiques
De nombreuses œuvres emblématiques jalonnent l'histoire de la nature morte. Le "Corbeille de fruits" du Caravage (1593) est l'une des premières natures mortes autonomes, même si le nom n'existait pas encore à l'époque. Le peintre montre le caractère éphémère des fruits, avec des pommes légèrement piquées et des feuillages qui commencent à flétrir. Lubin Baugin, avec "Le dessert au gaufrettes" (1631), illustre une composition plus sobre chez les peintres français, sous l'influence du mouvement janséniste. Chardin, avec "La brioche" (1763), continue cette tradition. Jan Davidsz de Heem, avec « Fruits et riche vaisselle sur une table » (1640), offre une profusion de détails et de textures. Matisse s'est mesuré à cette toile pour en donner sa version en 1915 dans une grande composition lumineuse, où le chaos s’organise avec des rythmes géométriques noirs verticaux, intitulée "Nature morte d’après Jan Davidsz de Heem". Henri Matisse a réalisé cette huile sur toile de 1915.
Jacques Linard, avec « Les cinq sens et les quatre éléments » (1627), explore les significations profondes. De même, Salvador Dali, avec sa « Nature morte vivante » (1956), libère les objets du plan de la table. Tout y est en lévitation, Dali évoque même à gauche la structure de l’ADN sur le pied de la balustrade, et un détail montre l’eau qui s’échappe de la bouteille. Le peintre associe à sa nature morte un perroquet et un écureuil, qui semblent apprécier le festin. En fait, rien ici n’est uniquement fait pour évoquer la gourmandise : pour les bons chrétiens, le raisin évoque le sang du Christ, la noix symbolise la Trinité (coque/fruit/cerneau), le homard la résurrection du Christ. Georg Flegel, dans sa "Nature Morte aux Fruits secs, Souris et Perroquet" (vers 1630-35, huile sur bois), que l’on peut aussi interpréter comme une invitation à profiter des choses de la vie avant qu’il n’en reste plus rien, renforce cette idée de vanitas.
Dans un autre registre, la princesse Nefertiabet devant son repas (2500 av. J.-C.) est une stèle qui date de 2500 ans avant Jésus-Christ, sous le règne de Khéops, en Égypte, illustrant la permanence du thème.
Expérimentations Modernes et Ruptures
Pourquoi Vermeer, Picasso, Vuillard, Chardin, Gauguin, Cézanne, Warhol… se sont-ils intéressés à ce sujet ? Que ce soit sous l’arrangement codifié du genre « nature morte » ou sous des formes plus libres, la représentation des objets n’est jamais neutre. C’est pourquoi l’exposition qui se tient actuellement au Louvre s’intitule : « Les choses, une histoire de la nature morte ». Paul Cézanne a fait de la nature morte son terrain d’expérimentation favori, comme en témoigne « Le panier de pommes » (1890). Sur le plan d’une table, dont on ne voit pas les bords, une accumulation absurde de produits alimentaires de toutes sortes est représentée.
Pour la première fois, Picasso a utilisé des fragments de matériaux hétérogènes (papiers, objets, etc.), ouvrant la voie à de nouvelles formes d'expression. Alors que les Nouveaux réalistes français « présentent » des choses au lieu de les représenter. Daniel Spoerri, avec son "Tableau piège" de 1972, et Arman, avec ses accumulations, sont des exemples marquants de cette évolution. Daniel Spoerri, d’origine roumaine, a rejoint les Nouveaux Réalistes en France. Son œuvre "Le petit-déjeuner de kichta" illustre sa démarche : il a collé sur la table les objets du repas et fixé à la perpendiculaire du mur chaise et table. Spoerri connaissait-il cette scène du film de Buster Keaton "The Scarecrow" (L’épouvantail) en 1920 ? Dans une cuisine où les choses ont pris le pouvoir, deux ouvriers agricoles font descendre du plafond tout le nécessaire pour manger grâce à un système coulissant, une œuvre qui fait écho à cette réappropriation des objets.
Gilles Barbier avec « Le festin II » (2014) et Miquel Barceló avec « Le grand dîner espagnol » (1985) continuent d'explorer les thèmes de la table et de la nourriture. Dans sa toute récente exposition chez Thaddaeus Ropac à Pantin, Barceló est revenu à ce thème des tables de repas, avec une technique qu’il appelle ses « grisailles », une légère couche de blanc apporte la lumière sur tous les objets en même temps qu'elle floute l’ensemble, lui ajoutant un caractère un peu fantomatique. Dans "Nature morte avec gâteau d’anniversaire", on distingue un peu mieux le chien. L’artiste évoque l’idée d’un « sandwich de choses lumineuses entre deux tranches de ténèbres ».
Le Réalisme et la Critique Sociale
Erich Wegner (1899-1980), un artiste allemand, avec son "Comptoir d’auberge (nature morte)" de 1927, présente en gros plan, sur un comptoir de bistrot, des saucisses en conserve, des rollmops (rouleaux de hareng) et des objets aseptisés, presque cliniques dans le traitement. Dans les années 60, on renonce à représenter les choses et on choisit de les présenter. Par exemple : Arman, en 1962, dans sa série des accumulations, compacte aussi des objets, mais de vrais objets (en général récupérés dans les brocantes), rejouant avec ironie les multiples d’Andy Warhol. Martha Rosler, artiste américaine née en 1943 et féministe, tourne un film de 6 minutes intitulé « Sémiotique de la cuisine ». Parodiant une émission culinaire, le visage grave, elle présente tour à tour chaque outil et ustensile de cuisine, avant d’en proposer un usage très violent : C’est « un lexique de colère et de frustration », dit l’artiste. La même année, elle a peint à l’huile sur toile, une série de gros plans intitulés « Idol Thief » (voleur d’idole).
Un exemple de symbolisme profond se trouve dans la représentation d'un crâne reposant sur un papillon (image de l’âme selon Ovide, le « papillon funèbre ») qui est lui-même posé sur une roue (la roue du destin). Au-dessus, un fil à plomb met à égalité à gauche les emblèmes royaux (un sceptre, un diadème et un manteau pourpre) et à droite les attributs d’un mendiant (un bâton, une besace et des haillons). Martin Dichtl était Allemand.
La Nature Morte au Quotidien et en Décoration
Aujourd'hui, l'art de la nature morte continue d'inspirer, même dans la décoration intérieure. Un tableau peut représenter une nature morte estivale devant une fenêtre ouverte donnant sur un paysage verdoyant. Sur la table se trouvent un panier d'agrumes, un bol de pommes rouges, quelques fruits individuels et un bol de pâtisseries. Ces œuvres peuvent être imprimées sur une toile textile, tendue sur un châssis en aluminium ou en bois, offrant une impression originale pour un mur. Une impression où les animaux et la nature jouent le rôle principal est également très prisée. Des entreprises comme Butterfly Garden conçoivent des impressions uniques d'animaux et de nature dans différents styles, de l'abstrait coloré au réalisme et tout ce qui se trouve entre les deux. Une entreprise vraiment excellente qui mérite un 10 sur 10, surtout en matière de communication. La livraison est rapide, le site est clair, la commande facile à passer, et l'on est parfaitement informé de l'état de la commande. Le produit est très bien emballé et livré dans les délais convenus.
L'impression Giclée sur toile Fine Art montée sur un châssis en bois d'épaisseur 2 cm est une option de qualité. Pour une plus grande conformité avec l'œuvre originale, l'impression couvrira la totalité du format choisi, la partie de la toile recouvrant les côtés du châssis restant blanche.
Liens entre Art, Nourriture et Expérience Sensorielle
Il est possible de faire un lien entre la peinture et la nourriture, entre le regard et les saveurs. Écouter la description d’une œuvre pour imaginer la scène. Dessiner ou faire une installation des éléments décrits et prendre une photo. Découvrir l’œuvre décrite et l’artiste. Lire la recette qui en découle et la réaliser seul(e) ou en compagnie d’un adulte. Pas besoin d’imprimante. Cette approche interactive permet d'apprécier la nature morte d'une manière multisensorielle.
L'âge d'or de la nature morte - La collection Riechers chez Ader
Né en France, un artiste étudié la peinture à l'Académie suisse et a tissé des liens avec les futurs impressionnistes. En 1886, Zola, son ami de longue date, le prend comme modèle pour décrire un peintre raté, marquant la fin de leur longue amitié. En revanche, il a toujours eu de très bons rapports avec Pissarro qu'il vénérait comme un maître : il a travaillé deux ans avec lui mais dès 1877, il s'est séparé de ce mouvement. Cette anecdote illustre la complexité des relations artistiques et les divergences qui peuvent émerger même au sein de mouvements partageant des affinités.