Le titre énigmatique « le cardinal remplit la marquise avec sa sainte semence » invite à une exploration profonde des symboliques et des réalités, à la croisée de l'art, de la religion, de l'histoire et même de la nature. Il est essentiel de décortiquer chaque terme pour saisir la richesse des interprétations possibles et d'éviter les clichés pour approcher une compréhension nuancée.
La Figure du Cardinal : Entre Dignité Ecclésiastique et Magnificence Aviaire
Le terme "cardinal" possède une double résonance qui enrichit considérablement l'analyse. D'une part, il désigne une haute dignité au sein de l'Église catholique, et d'autre part, il évoque un oiseau éclatant, le Cardinal rouge.
Le Cardinal de l'Église : Symbole de Foi et de Sacrifices
Dans le contexte ecclésiastique, la figure du cardinal est imprégnée d'une signification profonde et historique. Les cardinaux, ces princes de l'Église, sont les conseillers et les assistants du Pape. Leur rang est symbolisé par des ornements distinctifs et des rituels ancestraux.
La barrette cardinalice, par exemple, est un couvre-chef en forme de toque quadrangulaire de couleur pourpre, signe de la dignité du cardinalat. La formule prononcée par le pape lors de sa réception - « Recevez cette barrette pourpre en signe de la dignité du cardinalat » - souligne l'importance de cet attribut. Cette pourpre, à l'image des empereurs romains, était portée par les papes avant que saint Pie V (1566) n'adopte le blanc. Aujourd'hui, les cardinaux portent toujours la pourpre, symbole du sang qu'ils sont prêts à verser au nom de la foi. Cette couleur éclatante est un rappel constant du dévouement et du sacrifice qu'exige leur office.
L'anneau cardinalice, quant à lui, est un autre symbole puissant. Lors du consistoire de 2007, Benoît XVI avait expliqué que cet anneau en or était un « signe de dignité, de sollicitude pastorale et d'une plus étroite communion avec le Siège de Pierre ». Il représentait alors la crucifixion, invitant les cardinaux à se « souvenir de quel Roi vous êtes les serviteurs, sur quel trône Il a été élevé et comment Il a été fidèle jusqu'au bout pour vaincre le péché et la mort avec la force de la divine miséricorde ». Jean-Paul II avait souhaité que ces anneaux d’or soient marqués du signe de la croix. Plus tard, lors du consistoire du 18 février 2012, un nouvel anneau a fait son apparition, en forme de croix, représentant Pierre et Paul avec l'étoile mariale, réalisé selon la coutume par les orfèvres de la famille Savi, installés à proximité du Vatican. Le fait de porter l'anneau cardinalice est un constant rappel à donner sa vie pour l'Église, un engagement total envers la foi.
Historiquement, les cardinaux occupent une position cruciale. Leur rôle dans l'élection du Pape, par exemple, est fondamental pour la continuité de l'Église. Leur présence au sein de la Curie romaine témoigne de leur influence sur les affaires spirituelles et temporelles.
Le Cardinal Rouge : Un Prodige de la Nature et un Messager Symbolique
Parallèlement à la figure ecclésiastique, le Cardinal rouge est un oiseau remarquable, dont le plumage éclatant et le chant enchanteur en font l'une des espèces les plus reconnues et adorées au monde. Ces créatures captivantes cachent bien plus de choses qu'il n'y paraît.
Alors que le Cardinal mâle est réputé pour ses plumes rouges éclatantes, tous les cardinaux ne sont pas rouges ; la femelle, par exemple, est de couleur chamois. Les ornithologues locaux indiquent que le nombre de couples augmente chaque année dans certaines régions.
Un fait peu courant chez les oiseaux est que le mâle comme la femelle sont tous deux d’excellents chanteurs. Il est facile de les repérer par leur chant, car ils se donnent régulièrement la réplique, particulièrement au printemps lors de la saison des amours. Cette caractéristique est peu commune chez les oiseaux chanteurs d'Amérique du Nord, où le chant est généralement une activité dominée par les mâles pour attirer des partenaires et défendre des territoires. Les chercheurs estiment que le chant des cardinaux femelles sert à plusieurs fins : ce n'est pas seulement un moyen de communication entre partenaires, particulièrement important lorsqu'ils sont hors de vue l'un de l'autre, mais il joue également un rôle dans la défense territoriale. Cette capacité ajoute une couche délicieuse au chœur des chants d'oiseaux qui remplissent l'air, en particulier pendant la saison de reproduction, et témoigne des systèmes de communication complexes des oiseaux et des comportements uniques qui peuvent apparaître chez différentes espèces.
Les cardinaux ne migrent pas pour l'hiver et demeurent chez nous à l’année dans le sud du Québec, ajoutant beaucoup de couleur dans une cour immaculée de blanc. Ce comportement sédentaire renforce leur image de constance et de présence.
Les cardinaux sont farouchement territoriaux pendant la saison de reproduction, et maintiennent un certain niveau de territoire tout au long de l'année. Le mâle très territorial protège farouchement son territoire par le chant et peut même poursuivre les intrus. Les cardinaux forment un couple solitaire et monogame durant une saison, voire même davantage. La femelle reste habituellement fidèle à l’emplacement de son nid, le construit généralement seule et privilégie un buisson, une haie ou un fourré très dense. Les couples de cardinaux peuvent élever deux à quatre couvées par saison, démontrant une grande prolificité.
Occasionnellement, des cardinaux peuvent être observés avec des plumes blanches en raison d'une affection appelée leucisme, qui affecte la façon dont leurs plumes réfléchissent la lumière. Ce phénomène, bien que rare, ajoute à la diversité visuelle de l'espèce.
Les cardinaux sont omnivores, mangeant principalement des graines, des fruits et des insectes. Leur régime alimentaire varié leur permet de s'adapter à différents environnements.
Au-delà de leurs caractéristiques biologiques, les cardinaux occupent une place spéciale dans de nombreuses cultures, souvent considérés comme des messagers du monde spirituel ou comme des symboles d'amour, d'espoir et de restauration. Dans la mythologie amérindienne, les cardinaux sont considérés comme des symboles de relations, de parade nuptiale et de monogamie, reflétant leurs comportements d'accouplement. De plus, dans le symbolisme chrétien, les plumes rouges du cardinal représentent le sang du Christ, symbolisant la foi, l'amour et l'esprit éternel. Le Cardinal rouge a même été choisi comme emblème aviaire de la ville de Contrecœur, dont le mâle, rouge, et la femelle, couleur chamois, portent chacun une couleur des armoiries de la ville. Ce choix souligne l'attachement des citoyens à cet oiseau emblématique et son intégration dans l'identité locale.
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La Marquise : Entre Aristocratie, Influence et Art
Le terme "marquise" évoque immédiatement le raffinement, l'aristocratie et l'influence des femmes de haut rang dans l'histoire, particulièrement en France. Les marquises ont souvent joué un rôle central dans les cours royales et les salons littéraires, exerçant un pouvoir discret mais significatif.
Dans le contexte du XVIIIe siècle, par exemple, les marquises étaient des figures emblématiques de la vie sociale et culturelle. Elles incarnaient l'élégance, la mode et l'esprit. Leur statut leur conférait une certaine liberté et une capacité à influencer les décisions politiques et les tendances artistiques. Elles étaient souvent les mécènes d'artistes, de musiciens et d'écrivains, contribuant ainsi au dynamisme des arts. Leur intelligence et leur charme étaient des atouts majeurs dans un monde où la conversation et l'esprit étaient hautement valorisés. La marquise peut donc représenter l'esthétisme, la beauté mondaine, mais aussi une certaine forme de pouvoir féminin.
Dans le domaine de l'art, la marquise pourrait symboliser la toile elle-même, l'œuvre à créer, ou la muse inspiratrice. Les peintres ont souvent représenté des figures féminines idéalisées, à l'image des madones de Raphaël, qui ressuscitent la Vénus de Cléomène plus belle et toujours vierge. Ces figures, souvent des femmes d'influence ou de beauté remarquable, devenaient des « demi-dieux » sur les marches d'ivoire des trônes de la peinture. Le concept de « dieux et demi-dieux de la peinture », tel que décrit dans l'ouvrage "Les dieux et les demi-dieux de la peinture", met en lumière cette quête du beau où l'idéal recule jusque dans l'absolu.
Le livre "Les dieux et les demi-dieux de la peinture", par MM. Théophile Gautier, Arsène Houssaye et Paul de Saint-Victor, illustré par M. Calamatta et publié par Morizot en 1864, est un exemple parfait de la valorisation de ces figures et de leur place dans la culture artistique. Il n'est pas une histoire complète de l'art, mais cherche seulement à dresser un trône d'or aux douze grands dieux, aux olympiens de la peinture, et à poser sur les marches d'ivoire de ces trônes les demi-dieux qui méritent d'être admis dans ce ciel d'un azur lumineux. Tous ont cherché le beau et l'ont trouvé par des routes diverses, car devant les efforts de l'artiste, l'idéal recule jusque dans l'absolu. Si l'idéal n'était pas au-dessus de toute réalisation, il cesserait d'être l'idéal et de luire comme une étoile au bout de cette perspective sans fin qu'on n'atteindra pas plus qu'on ne soulèvera le voile sacré d'Isis. C'est là précisément ce qui fait la gloire et la supériorité de l'art ; derrière ses types les plus purs, les plus nobles, les plus divins on sent un type plus pur, plus noble, plus divin encore qui se fait deviner comme un visage rayonnant à travers la demi-transparence d'un voile. La forme montre et cache à la fois l'idée, quelque perfection qu'elle atteigne ; elle a ses bonheurs et ses trahisons, elle a aussi ses impossibilités. Pour s'élever à l'expression du beau, elle ne possède que les lignes et les couleurs fournies par la nature, car l'invention d'une forme même dans la chimère ne saurait se concevoir. C'est donc la figure de l'homme, qui est l'univers arrivé à se comprendre, dont l'art se servira pour formuler son concept, en l'élevant, en l'épurant, en la dégageant de l'accidentel et du particulier.
Les Grecs avaient divinisé cette figure avec leur religion anthropomorphique. Venus au monde, dans la jeunesse de l'humanité, en pleine fraîcheur et en pleine lumière, eux-mêmes beaux, intelligents, sereins, ils s'étaient approchés du type suprême dont ils étaient voisins encore. Leur poésie, leur architecture, leur statuaire, sont restées les plus brillants témoignages du génie humain. Il devait en être de même de leur peinture dont malheureusement les siècles jaloux ont effacé jusqu'au plus léger vestige. Sans nul doute Apelles égalait Phidias.
Puis vinrent les cataclysmes de la barbarie et les ténèbres profondes du moyen âge, et l'idée du beau se perdit pour reparaître à la Renaissance, cette seconde aurore du monde avec les manuscrits grecs et les marbres antiques retrouvés sous les décombres des civilisations ensevelies. Du premier coup, le grand Léonard de Vinci réinventa tous les arts perdus et créa une formule du beau si rare, si exquise, si parfaite qu'on ne l'a jamais dépassée. Michel-Ange sans connaître Phidias, dont pourtant les chefs-d'œuvre existaient intacts encore sur les frontons d'Ictinus, sut être aussi grand que lui et mit le beau dans le terrible. Raphaël, baptisant l'art grec, ressuscita, avec ses madones, la Vénus de Cléomène plus belle et toujours vierge ; Corrége fit sourire l'idéal et le baigna mystérieusement dans les transparences argentées de son clair-obscur, Titien le dora de sa couleur d'ambre, Rubens l'empourpra de ses tons flamboyants, Paul Véronèse l'habilla de ses riches brocarts ramagés, Rembrandt l'entoura de ses ombres fauves et le fit briller comme un microcosme, au fond de ses ténèbres magiques, Van Dyck lui prêta une élégance aristocratique, Poussin lui donna la philosophie, Le Sueur la grâce tendre et la mélancolie religieuse, David la rigueur classique, Prudhon le charme voluptueux, Reynolds le satiné et la fraîcheur de la santé anglaise, Hogarth infidèle à ses théories sur la ligne courbe, la roideur puritaine et britannique trop préoccupée de morale. Chaque pays, depuis cette glorieuse époque, tendit toujours vers ce noble but. En Espagne, Velasquez, par le caractère, dégagea le beau du réel ; Murillo l'aperçut dans une vision céleste et osa le faire descendre sur la terre. Bien avant, l'Ange de Fiesole l'avait dessiné sur le fond d'or de l'art gothique ; Holbein l'avait fixé par son dessin d'une exactitude si naïve et si savante, Hemling l'enluminait de ses tons fins et purs dans ses tableaux pieusement légendaires. Tous ces grands artistes ont représenté une face de l'idéal que nul ne peut voir tout entier, et cela suffit à leur gloire. D'autres points de vue se révéleront peut-être avec le temps, et le beau de l'avenir se fera entrevoir sous d'autres masques, déposés tour à tour ; car il faut l'étreindre comme Protée d'une étreinte bien vigoureuse, pour le forcer à se montrer sous sa véritable forme. Après une longue lutte, parfois le génie vient à bout de dompter ce fuyant adversaire. Il court à son chevalet, il saisit sa palette, il regarde, mais déjà le modèle a disparu. Heureusement il parvient à en esquisser de mémoire quelques traits sur la toile, et les siècles étonnés admirent cette glorieuse image qui n'est pourtant qu'une ombre et qu'un reflet. Dans ce livre, on a essayé par une figure choisie, qui accompagne chaque légende de peintre, d'exprimer et de résumer l'idéal qu'il poursuivait, la forme favorite où sa pensée et son amour s'incarnaient le plus fréquemment, et qui fait reconnaître son œuvre, comme uue tête gravée sur l'onyx d'un cachet, désigne, sans même qu'on ouvre la lettre, la main qui l'a écrite.
La « Sainte Semence » : Métaphores de Création et de Transmission
Le terme "sainte semence" est le plus évocateur et polysémique du titre. Il peut être interprété à travers plusieurs prismes : religieux, artistique, généalogique et même naturel.
Création Divine et Inspiration Artistique
Dans un sens religieux, la « sainte semence » renvoie à l'idée de création divine, de bénédiction et de transmission spirituelle. La conception de la vie, le souffle divin insufflé dans l'humanité, peut être perçue comme une « sainte semence ». Les écrits religieux regorgent de références à la semence comme source de vie et de lignée.
Appliqué au domaine artistique, la « sainte semence » devient une métaphore puissante de l'inspiration et de l'acte créatif. L'artiste, tel un démiurge, insuffle sa « semence » d'idées, d'émotions et de techniques dans son œuvre. Cette semence n'est pas matérielle mais intellectuelle et spirituelle.
Léonard de Vinci, enfant naturel d'un messer Pietro, notaire de la république, né en 1452 dans un petit château près de Florence, est un exemple paradigmatique de cette « sainte semence » artistique. La Nature, comme revendiquant pour elle seule son plus parfait ouvrage, ne voulut pas qu'il eût de famille légitime, et sans appeler les fées à son berceau, - elles y vinrent d'elles-mêmes, - le doua de tous les dons imaginables. On eût dit que, par une sorte d'amour-propre, elle se justifiait ainsi de ses avortements et de ses ébauches imparfaites. Contrairement à la loi ordinaire, Léonard de Vinci ne connut ni les luttes, ni les difficultés des commencements : l'admiration le prit tout jeune et ne le quitta plus. Il mourut entre les bras d'un roi, et, si l'érudition moderne a contesté cette légende, elle est tellement vraisemblable comme couronnement de cette vie heureuse et honorée, que tout le monde y dut croire. Enfant, ses premiers dessins excitèrent la surprise et l'incrédulité. Mis à l'école du Verocchio, bon sculpteur et bon peintre, il y fit preuve d'une supériorité si précoce, que l'élève fut bientôt le maître : on sait qu'il peignit dans un tableau de son professeur une tête d'ange si belle, d'un goût si rare et si neuf, qu'elle effaçait tout le reste de l'œuvre, et présageait à l'Italie, une gloire sans rivale. En effet, nul n'est supérieur à Léonard, ni Raphaël, ni Michel-Ange, ni Corrége : on a pu s'asseoir à côté de lui sur son sommet, mais qui jamais a monté plus haut ? Notez qu'il est le premier en date, et qu'il mena tout de suite l'art à un degré de perfection qui n'a pas été dépassé depuis.
Cette gloire semble suffisante pour un homme, et pourtant la peinture n'était qu'une des aptitudes du Vinci : également doué dans tous les sens, il eût pu faire aussi bien toute autre chose. C'était un génie universel, encyclopédique ; il possédait toutes les connaissances de son temps, qualité plus rare, il voyait directement la nature. Pour bien se rendre compte du génie de Léonard, il faut se dire qu'il travaillait en quelque sorte sans modèle et inventait à mesure de sa production. C'était même là sa plus grande jouissance ; il ne tenait pas comme certains peintres à multiplier ses œuvres. Il se contentait en toutes choses d'avoir atteint le but, et une fois l'idéal réalisé, il abandonnait ou dédaignait. Il était homme à faire des études immenses pour un seul tableau, sauf à ne plus s'en servir après et à passer à d'autres exercices. Sa curiosité satisfaite, rien ne l'amusait plus. Le modèle fait, l'épreuve tirée, il brisait le moule. Il avait le sens de l'exquis, du rare, de l'absolu. Chaque tableau n'était qu'une expérience heureuse, un desideratum accompli qu'il trouvait inutile de renouveler. Dans chaque voie de l'art, il a laissé sa trace ineffaçable, et son pied se voit empreint sur toutes les hautes cimes, mais il semble n'y être monté que pour le plaisir de l'ascension : il en redescend aussitôt et va ailleurs. Il ne paraît pas avoir le dessein de s'illustrer ou de s'enrichir par une supériorité acquise, mais de se prouver seulement à lui-même qu'il est supérieur. Ainsi il a fait le plus beau portrait, le plus beau tableau, la plus belle fresque, le plus beau carton : c'est assez ; et il pense à autre chose, à modeler un cheval gigantesque, à faire le canal du Naviglio, à fortifier des villes, à trouver des engins de guerre, à inventer des scaphandres, des machines à voler, et autres imaginations plus ou moins chimériques. Il soupçonne presque la vapeur, il pressent le ballon, il fabrique des oiseaux qui volent et des animaux qui marchent. Il joue d'une lyre d'argent en forme de tête de cheval dont il est le facteur, et se compose une écriture à rebours, de droite à gauche, qu'on ne peut lire que dans un miroir, chiffre dont tous les secrets n'ont pas encore été pénétrés encore ; il étudie l'anatomie, non pas comme Michel-Ange, pour en faire parade, mais pour la savoir, et dessine d'admirables myologies dont il ne se sert pas, car nulles figures ne sont plus enveloppées que les siennes. Outre l'artiste, il contient un philosophe presque égal à Bacon, ennemi de la scolastique, ne croyant qu'à l'expérience et demandant à la seule nature la solution de ses doutes. Il fait tout, jusqu'à ses enduits et à ses couleurs ; avec cela, vous vous tromperiez étrangement, si vous vous imaginiez une sorte de pédant rogue, ou d'alchimiste hermétique soufflant dans un atelier changé en laboratoire : personne ne fut plus humain, plus aimable, plus séduisant que Léonard de Vinci ; il avait l'esprit, la grâce, l'adresse, la force à ce point qu'il pliait en deux un fer de cheval, et avec cela une beauté parfaite, une beauté d'Apollon. Il était si doux, si tendre, si sympathique, si lié de cœur à la nature, si compatissant aux moindres souffrances, qu'il achetait des oiseaux-en cage pour les rendre à la liberté, tout joyeux de les voir monter éperdument dans l'azur ; qualité rare en ce temps féroce et rude, où, loin d'avoir pitié des animaux, on était presque indifférent pour la vie humaine. Léonard aimait les chevaux ; il était excellent écuyer, et sur les montures les plus rebelles et les plus fringantes, il se plaisait à des sauts de haies et de fossés, à des voltes et à des courbettes.
La Semence en Littérature et en Art : Héritage et Postérité
Dans la littérature et l'art, la « semence » peut également signifier l'héritage intellectuel et créatif qu'un artiste ou un penseur laisse derrière lui. Les idées, les techniques et les œuvres qu'ils produisent sont comme une semence qui germe et influence les générations futures.
Le texte "Les dieux et les demi-dieux de la peinture" exprime cette idée de transmission et de postérité. En présentant les grands maîtres comme des « dieux » et « demi-dieux », il reconnaît la force de leur « semence » artistique, qui a continué à fleurir à travers les siècles. Les manuscrits déchiffrés à travers la gothique écriture des moines, quelques fragments de marbres antiques sortis de terre comme par miracle, avaient suffi pour opérer cette révolution. Ces lampes de la vie, que, suivant le beau vers de Lucrèce, des coureurs se remettent l'un à l'autre, s'étaient rallumées à l'étincelle antique, et brillaient joyeusement dans des mains qui ne devaient plus les laisser éteindre. Un de ceux dont la lampe jeta le plus vif rayon, ce fut Léonard de Vinci. Sa flamme, bien que voilée par la fumée noire du temps, luit encore comme une étoile ; et quand un des tableaux du maître se trouve dans une galerie, quelque sombre et rembruni qu'il soit, elle en est tout éclairée.
Interprétations Possibles de l'Expression Complète
L'expression « le cardinal remplit la marquise avec sa sainte semence » peut être lue de plusieurs manières, chacune offrant une perspective unique sur les interactions complexes entre le sacré, le profane, l'art et la nature.
Allégorie Artistique et Création Esthétique
Une interprétation artistique verrait le "cardinal" comme l'artiste inspiré ou l'idée sublime, et la "marquise" comme la toile vierge ou la matière à modeler. La "sainte semence" serait alors le génie créatif, l'inspiration divine qui permet à l'artiste de donner vie à son œuvre. Cette semence n'est pas sexuelle, mais métaphorique, représentant l'étincelle qui transforme une idée abstraite en une réalité tangible et belle. Le peintre « remplit » la toile de sa vision, de sa technique, de son âme, créant ainsi un chef-d'œuvre.
Cette lecture est en accord avec l'introduction des "Dieux et Demi-dieux de la peinture", où il est question de la quête du beau et de la façon dont les artistes ont cherché à exprimer l'idéal. Léonard de Vinci, par exemple, a réinventé tous les arts perdus et créé une formule du beau si rare, si exquise, si parfaite qu'on ne l'a jamais dépassée. Il a fait le plus beau portrait, le plus beau tableau, la plus belle fresque, le plus beau carton, montrant ainsi la puissance de sa « sainte semence » artistique.
Symbole de Transmission Culturelle et Spirituelle
Une autre interprétation pourrait considérer le "cardinal" comme un dépositaire de la sagesse et de la foi, et la "marquise" comme la société ou une personne réceptive. La "sainte semence" serait alors l'enseignement, les valeurs spirituelles, ou le savoir transmis. Le cardinal « remplit » la marquise, non pas physiquement, mais en lui infusant des connaissances et des principes qui enrichissent son esprit et son être. Cette transmission assure la pérennité de la culture et de la spiritualité.
Dans cette optique, l'œuvre "Les dieux et les demi-dieux de la peinture" elle-même peut être vue comme une « sainte semence » diffusée auprès du public. Elle transmet la connaissance des grands maîtres et l'appréciation du beau, « remplissant » ainsi l'esprit du lecteur.
Un Jeu de Mots et de Symboles
Il est également possible que l'expression soit un jeu de mots, une plaisanterie ou une énigme, utilisant la polysémie des termes pour créer un effet humoristique, ironique ou subversif. Le contraste entre le caractère sacré de la "sainte semence" et la figure mondaine de la "marquise" pourrait pointer vers une critique sociale ou une satire de l'époque.
En considérant le "cardinal" comme l'oiseau, l'expression pourrait devenir une image poétique ou absurde. Le Cardinal rouge, avec son plumage éclatant, pourrait "remplir" l'espace visuel ou sonore de la "marquise" (un jardin, un domaine) de sa beauté et de son chant. Dans ce cas, la "sainte semence" pourrait être la vie qu'il apporte à la nature, sa descendance, ou même la simple joie qu'il diffuse par sa présence. Les cardinaux peuvent élever deux à quatre couvées par saison, ce qui peut être interprété comme une forme de « sainte semence » génératrice de vie.
L'Idéal et sa Représentation dans l'Art
L'introduction de l'ouvrage "Les dieux et les demi-dieux de la peinture" souligne une quête éternelle de l'idéal. Chaque artiste, aussi grand soit-il, n'a donné qu'une facette de son rêve tout entier. L'idéal recule jusque dans l'absolu, et c'est précisément ce qui fait la gloire et la supériorité de l'art. La forme montre et cache à la fois l'idée ; elle a ses bonheurs et ses trahisons, elle a aussi ses impossibilités.
Les Grecs avaient atteint le beau en toute chose, mais le sens du beau disparut pendant bien des siècles dans les cataclysmes d'empires et le chaos du moyen âge. La Renaissance marqua un retour à cet idéal, avec des figures comme Léonard de Vinci, Michel-Ange, Raphaël et Corrége. Léonard de Vinci, par exemple, créa une formule du beau si rare, si exquise, si parfaite qu'on ne l'a jamais dépassée. Michel-Ange mit le beau dans le terrible, tandis que Raphaël ressuscita la Vénus de Cléomène avec ses madones. Chaque grand artiste a représenté une face de l'idéal que nul ne peut voir tout entier, et cela suffit à leur gloire. D'autres points de vue se révéleront peut-être avec le temps, et le beau de l'avenir se fera entrevoir sous d'autres masques, déposés tour à tour. Il faut l'étreindre comme Protée d'une étreinte bien vigoureuse, pour le forcer à se montrer sous sa véritable forme. Après une longue lutte, parfois le génie vient à bout de dompter ce fuyant adversaire.
L'expression « le cardinal remplit la marquise avec sa sainte semence » peut être vue comme une tentative de saisir cet idéal fuyant, de le matérialiser à travers une image suggestive, mêlant le sacré et le profane, le symbolique et le réel. C'est dans cette tension entre les différentes interprétations que réside la richesse et la profondeur de l'expression.